Arja Kärkkäinen: Maassa maan sisällä & Marja Saleva: A Room With Cozy Memories, Creepy Calculations For The Future And Some Pizza (7.9.–30.9.2018)

September 4th, 2018 by Oksasenkatu

banner_www_salevakarkkainen

7.9.–30.9.2018
Avajaiset 6.9.2018 klo 18–20, tervetuloa!
Opening 6.9.2018, 6 pm–8 pm, Warmly welcome!

ti–pe / Tue–Fri 14–18
La–su / Sat–Sun 12–16

[Scroll down for English]

Näyttelyssä ajatuksia politiikasta, työnteosta ja työnteon merkityksestä.

Arja Kärkkäinen (s.1986) on helsinkiläinen kuvataiteilija joka työskentelee.

MARJA SALEVA: A ROOM WITH COZY MEMORIES, CREEPY CALCULATIONS FOR THE FUTURE AND SOME PIZZA

Olen ollut tässä huoneessa pitkään. Olen rakentanut seiniä, merkinnyt ovien paikkoja, ikkunoita, ikkunoita. Näissä puitteissa luulisi että… Tietyssä iässä pitäisi. Katselen liikkumattomia kuvia edessäni, kunnes. Olen kuvitellut kaiken. Teen tästä tallennuspaikan aikajanoille ja sille. Kuvissa tapahtumattomien tapahtumien muodot kummittelevat, katkenneet unet pudottelevat totuuksiaan. Kaikista ennakkoarvioista poiketen sää muuttuu tuuliseksi, tapahtumat törmäävät väkivaltaisesti toisiinsa ja alkavat monistua hallitsemattomasti, vesi pikselöityy. Kukaan ei osaa selittää, miksi, tai miten. (EU:n tilastolaitos Eurostatin keväällä 2015 julkaiseman vertailun mukaan lapsettomien sinkkunaisten osuus on Suomessa suhteellisesti EU-maiden suurin) Jossain vaiheessa iltaa päätän poistaa kuvasta kaiken turhan ja epäoleellisen, niin että kukaan tai mikään tässä huoneessa ei enää edusta itseään – vaan ainoastaan minua. Kuva mustuu, talo valkenee. Yöllä tuuli kysyy: paljonko kello on, paljon?

A Room With (CMCCFTFASP) koostuu eri materiaaleille tulostetuista valokuvista ja lehdistä. Se on Marja Salevan ensimmäinen yksityisnäyttely.

Marja Saleva (1975) on helsinkiläinen kuvataiteilija. Hänen teoksissaan pääosassa on valokuva, johon yhdistyy usein tekstiä. Työskentelyn lähtökohtia ovat arki, henkilökohtaisuus, intuitiivisuus, kokeellisuus ja isot kuvamassat. Saleva on käsitellyt töissään yksinelämistä ja julkaissut siihen liittyvästä teossarjasta (He is so obsessed with me) kaksi osaa: valokuvakirjan (2013) ja online-teoksen (2017).
***

ARJA KÄRKKÄINEN: MAASSA MAAN SISÄLLÄ (PROCESSION)

Thoughts about politics, working and meaning of working.

Arja Kärkkäinen (1986) is an Helsinki based artist, who works.

MARJA SALEVA: A ROOM WITH COZY MEMORIES, CREEPY CALCULATIONS FOR THE FUTURE AND SOME PIZZA

I have stayed in this room for a long time. I have built walls and marked places for doors and windows, windows. In this context one would think that…At a certain age one should. I look at the immobile images in front of me, until. I have imagined it all. I make this a place where I can store the timelines and it.

The images are haunted by forms of incidents that never happened, the interrupted dreams tell their truths. Despite what the forecast predicted the weather is turning windy, the incidents clash violently with each other and begin to multiply in an uncontrollable way. The water transforms into pixels. No one knows why or how. (According to the study published in the spring of 2015 by Eurostat, the statistical office of the European Union, the presentage of childless, unmarried women within the EU is proportionally biggest in Finland.) At some point in the evening I decide to remov everything unnecessary and irrelevant from the image so that no one and nothing in this room represents itself – only me. The image turns dark, the house turns lighter. In the night the wind asks – what time is it, what?

A Room With (CMCCFTFASP) is built of photographs and magazines printed on variety of materials. It’s the first solo show of Ms. Saleva.

Marja Saleva (1975) is a Helsinki based visual artist. She mainly works with photographs, often combining them with texts. The themes of her work deal with everyday life, intimacy, intuivity, experimentality and large masses of picture material. In her work, Saleva has addressed living alone, among others in a series (He is so obsessed with me), and published a photo book (2013) and an online artwork (2017) about the series.

***

Marja Salevan näyttelyä on tukenut / The exhibition of Marja Saleva has been supported by:
Greta ja William Lehtisen säätiö

Gallerian ja P14-ryhmän toimintaa tukevat / The gallery and P14 are supported by:
Koneen säätiö, Suomen kulttuurirahasto and Helsinki City

Nelli Tanner & Laura Ukkonen: KAKSI SIGNEERAUSTA

July 27th, 2018 by Oksasenkatu

tanner_ukkonen_465

4.8.–26.8.2018

avoinna: ti–pe klo 14-18, la–su 12-16
Avajaiset 3.8.2018 klo 18-20

Lakana. Tyyny. Nenä. SIlmälasit. Yöpaita. Lattia. Ovenkahva. Ovenkahva. Vesihana. Vesi. Pyyhe. SIlmät. Kasvot. Vesihana. Vesi. Saippua. Vesi. Pyyhe. Vesihana. Saippua. Vesi. Vesihana. Pyyhe. Suihkun kahva. Vesi. Shampoopullo. Vesi. Hoitoainepullo. Vesi. Pyyhe. Rasvapurkki. (ote Aamu-ääniteoksesta, Nelli Tanner, 2018)

Nelli Tannerin ja Laura Ukkosen videot, piirustukset ja ääniteokset tuovat lähietäisyydelle kodin ja omakuvan. Taiteilijat ovat havainnoineet arkeaan ja työskentelyään keskustelukumppaneinaan menneisyyden kuvataiteilijat Elin Danielson-Gambogi (1861-1919) ja Ellen Thesleff (1869-1964), joiden tuotannosta löytyy muun muassa omakuvia, äiti-lapsi-kuvastoa sekä kodin esineistöä kuvaavia teoksia. Miten koti, lastenhoito ja työskentely limittyvät? Se on olemista samanaikaisesti sekä liian lähellä että liian kaukana.

Ellenissä ja Elinissä kiehtovat rohkeus, uskallus, keskittyminen ja matkustaminen aikana, jolloin naiset olivat yleensä kotona. He ottivat oman tilansa ja valitsivat taiteen ammatikseen. Heitä ajoi eteenpäin halu tehdä paremmin, koskettavammin ja kauniimmin. Tanner ja Ukkonen kohtaavat heissä kollegansa ja pohtivat naisina yhä samoja asioita, nyky-yhteiskuntaan päivitettynä.

KAKSI SIGNEERAUSTA on työryhmän ensimmäinen yhteinen näyttely, joka on syntynyt keskustelujen ja Tannerin ja Ukkosen toisilleen lähettämien piirrosten pohjalta. Ukkonen työskentelee Helsingissä ja Tanner Imatralla. Taiteilijoiden välinen vuoropuhelu on muotoutunut vuoden ajan puhelimitse, sähköpostitse, kasvotusten ja skypessä. Näyttelytila on kokeilu, jossa teokset ensimmäisen kerran kohtaavat.

Nelli Tanner (1976) on imatralainen kuvataiteilija, joka työskentelee laaja-alaisesti korutaiteen, installaatioiden ja julkisen taiteen parissa. Tanner on valmistunut Gerrit Rietveld Academiesta (BA) 2003 ja Saimaan Ammattikorkeakoulusta kuvataiteilijaksi (YAMK) 2012. Tannerin teoksia on mm. seuraavissa kokoelmissa: CODA museum, Aperdoorn (NL) ja Designmuseo. Nelli Tannerin teokset perustuvat ihmisen suhteeseen arkisiin esineisiin ja rikkimenneisiin kodin tavaroihin. Tanner tutkii myös tapojamme esineiden parissa kuvaamalla ja tekemällä videoita. Tannerin työskentelyä on tukenut Taiteen edistämiskeskus.

Laura Ukkonen (1977) on helsinkiläinen kuvataiteilija, joka työskentelee piirtäen, kirjoittaen ja liikkuvan kuvan keinoin. Hän on valmistunut taiteen maisteriksi vuonna 2012 Aalto-yliopistosta, opiskellut aiemmin taidehistoriaa Turun yliopistossa (HuK) ja parhaillaan taidekasvatusta Aalto-yliopistossa. Laura Ukkosen teokset ovat maisemia, muotokuvia ja interiöörejä, jotka perustuvat arjen dokumentointiin, taidehistoriaa ja sukupuolentutkimusta peilaten. Millaisia kaikuja menneisyydestä tunteissa on? Teokset pohjautuvat havainnosta piirtämiseen ja päiväkirjateksteihin, jotka muuttavat muotoaan intuitiivisessa työskentelyprosessissa.

www.nellitanner.com I email info@nellitanner.com
http://lauraukkonen.blogspot.com email I ukkonen.laura@gmail.com

///// ///// /////
Nelli Tanner & Laura Ukkonen: TWO SIGNATURES

4.8.–26.8.2018

open: Tue-Fri 14-18, Sat-Sun 12-16
Opening Aug 3rd 6-8 pm.

A sheet. A pillow. Nose. Glasses. A t-shirt. Floor. A door handle. A door handle. A water tab. Water. A towel.
Eyes. Face. A water tab. Water. Soap. Water. A towel. A water tab. Soap. Water. A water tab. A towel. A shower handle. Water. A shampoo bottle. Water. A conditioner bottle. Water. A towel. Lotion.
(Detail from Morning -sound work, Nelli Tanner, 2018)

Home and self-portraits are on close look in videos, drawings and sound works by Nelli Tanner and Laura Ukkonen. The artists’ observations on their everyday life and artistic processes reflect on past fine artists’ works – Elin Danielson-Gambogi (1861-1919) ja Ellen Thesleff (1869-1964) – whose works depict self-portraits, mother-child images and home artifacts. How is home, taking care of children and artistic work combined? It is presence that is simultaneously being too close and too far.

The artists find Ellen and Elin inspiring in their courage, concentration and travelling in time when women usually stayed home. They took their own space and chose art as a profession. They were driven by a passion to make better, more touching and more beautiful art. Tanner and Ukkonen confront them as colleagues and as women they ponder similar things – updated to contemporary society.

TWO SIGNATURES is the artists’ first exhibition as a work group. It’s based on conversations and drawings sent to each other. Ukkonen works in Helsinki and Tanner in Imatra. The dialogue has developed in phone calls, emails, face to face talks and in skype during the past year. The exhibition space is an experimentation where their art works meet for the first time.

Nelli Tanner (1976) is a visual artist from Imatra who works with jewellery art, installations and public art works.
Tanner has graduated from Gerrit Rietveld Academie (BA) in 2003 and from Saimaa University of Applied Sciences (Master of Culture and Arts) in 2012. Tanner’s works are in collections of CODA museum, Apeldoorn (NL) and Designmuseum (FIN). The work is based on the relationships with our everyday life objects and broken home artifacts. Tanner also depicts our habits with objects by making videos.
Working of the artist has been supported by Arts Promotion Centre Finland.

Laura Ukkonen (1977) is a visual artist based in Helsinki working with drawings, writing and moving image. She completed her MA in Fine Arts at Aalto University in 2012. Her studies also consist of art history and gender studies in University of Turku (BA) and on-going studies in art education at Aalto University. Ukkonen’s works are landscapes, portraits and interiors based in everyday life documentations reflecting art history and gender studies. Can contemporary emotions be understood in relation to the past?

www.nellitanner.com I email info@nellitanner.com
http://lauraukkonen.blogspot.com I email ukkonen.laura@gmail.com

13.7. Metateos 8: Hosiasluoma & Rämä: Noidat Nokinenä ja sen Sisko

July 8th, 2018 by Oksasenkatu

banner_noidat_465

13.7.2018 klo 18–18:45.
Esitys on ilmainen.
Facebook: https://www.facebook.com/events/489878771476741/?active_tab=about

Oksasenkadun heinäkuun metateostaiteilijat ovat esitystaiteilijat Niina Hosiasluoma ja Laura Rämä. He kommentoivat galleriassa esillä olevia Aura Saarikosken ja Salla Salinin näyttelyitä teoksella Noidat Nokinenä ja sen Sisko. Siinä kosmos näyttäytyy kummassa valossa. Ollaan niin sanotusti jännän äärellä, kun noidat Nokinenä ja sen Sisko iskeytyvät näyttelyn ytimeen.

Metateoksessa kunkin näyttelyn inspiroimana syntyy toinen teos. Näyttelyyn kutsutaan toisen taiteenalan edustajia tekemään siitä tai siihen oma tulkintansa, kommenttinsa, lisäyksensä tai interventionsa. Hosiasluoma ja Rämä aloittivat metateosuransa viime vuonna Kallio Kunsthallessa, jossa Niilo ja iskä kävivät tekemässä oman elämänsä ikebanaa Aaltopeltiä ja amarylliksiä -näyttelyssä. Esityshän oli luonnollisesti loistava, eikä vähempää odoteta nytkään.

Noidat tulee, oletko valmis?

Aura Saarikoski: (sumua) & Salla Salin: After You

July 2nd, 2018 by Oksasenkatu

banner_aurasalla_465

7.7.–29.7.2018

Avajaiset 6.7.2018 klo 18–20, tervetuloa!
Opening 6.7.2018, 6 pm–8 pm, Warmly welcome!

Ke–pe / Wed–Fri 14–18
La–su / Sat–Sun 12–16

Scroll down for English

AURA SAARIKOSKI: (sumua)

Saarella maisema muuttuu yllättäen kirkkaasta harmaaksi. Mereltä on alkanut nousta sumua. Harmaa maisema on kuin usvakoneella tuotettu keinomaisema, savua joka enteilee paloa. Aurinko valottaa harmaan kalvon takaa tätä maisemakuvaa, sumutorvet viestivät näkymättömiin jääneistä. Avaan ikkunan ja annan sumun täyttää huoneen. Annan ilman kostuttaa sanoja, joita paperi kantaa.

(sumua) on Aura Saarikosken installaatio Galleria Oksasenkatu 11:ssa. Installaatio vie valokuvien aikaan ja paikkaan, keskelle sumua. Valokuvissa taiteilija kävelee kohti sumun tiheintä ja palaa takaisin. Katsoja seisoo keskellä sumua, kahden valokuvan ajan välissä, lähdön ja paluun risteyksessä.

Aura Saarikoski (s.1987) on helsinkiläinen kuvataiteilija, joka työskentelyssään yhdistää valokuvaa, tekstiä, liikkuvaa kuvaa ja installaatiota esseistisesti. Tänä kesänä Saarikosken teoksia on nähtävillä myös Suomen Valokuvataiteen museossa elokuussa avautuvassa Photobooks from Finland -kollektiivin kuratoimassa Suomalainen maisema -näyttelyssä. Aura Saarikoski valmistui kuvataiteilijaksi vuonna 2012 Turun Taideakatemian Valokuvataiteen osastolta ja taiteen maisteriksi vuonna 2017 Aalto-yliopiston Taiteiden ja suunnittelun korkeakoulun Valokuvataiteen koulutusohjelmasta.

Näyttelyä ja taiteilijan työskentelyä on tukenut Taiteen Edistämiskeskus.

SALLA SALIN: AFTER YOU

After You on interaktiivinen installaatio, jonka lähtökohtana toimii ajatus ihmisen aikakauden vaikutuksesta maapallon ekosysteemiin. Auringon säteilyenergia on valon ja lämmön muodossa perusedellytys planeettamme elämälle, mutta ihmisen toimista johtuen ilmastomme on erityisesti viimeisten vuosisatojen aikana muuttunut oleellisella tavalla. Tulevaisuuden elinolosuhteita on hankalaa ennustaa.

Teos perustuu sähkömagneettiseen säteilyyn. Ihmisen läsnäolo saa teoksessa aikaan hitaan muutoksen, jonka havaitseminen voi olla aluksi lähes huomaamatonta. Vierailijoiden myötä tilan olosuhteet kuitenkin muuttuvat, kävijöiden määrän ja kuluneen ajan vaikuttaessa kokonaisuuteen.

Salla Salin on helsinkiläinen taiteilija, jonka teosten lähtökohtina toimivat usein kysymykset todellisuuden kerroksellisuudesta. Tilan fyysisten ominaisuuksien ohella hän tarkastelee myös sen ajallisia, sosiaalisia ja emotionaalisia ulottuvuuksia luoden tiloja ja tilanteita, joilla on erityinen suhde ympäristöönsä ja joissa katsojan oma läsnäolo ja liikkuminen asettuu osaksi teosta. Muodoltaan hänen teoksensa ovat muun muassa installaatioita, videoteoksia, kuvanveistoa, esityksiä sekä edellä mainittujen erilaisia yhdistelmiä. Salinin töitä on ollut laajalti esillä yksityis- ja yhteisnäyttelyissä sekä eri esitystiloissa niin koti- kuin ulkomaillakin.

Näyttelyä on tukenut Taiteen edistämistoimikunta.

*******

AURA SAARKOSKI: (fog)

The scenery changes suddenly from clear to grey on the island. The fog has begun to rise from the sea. The grey view is like an artificial scenery produced with a smoke machine, smoke foreshadowing fire. The sun illuminates this view from behind a grey film and the foghorns speak about the ones left invisible. I open the window and let the mist fill the room. I let the air moisten the words carried by paper.

(fog) is an installation by Aura Saarikoski in the upstairs of Galleria Oksasenkatu 11. The installation takes the viewer into the time and place of the photos, in the middle of a fog. In the photos the artist walks towards the thickest of the fog, and returns. The viewer stands in the middle of the mist, between the times of the two photographs, at the crossroads of leaving and returning.

Aura Saarikoski (b. 1987) is a visual artist from Helsinki who combines, in an esseistic way, photos, text, moving image and installation in her work. This summer Saarikoski’s work can be seen also in The Finnish Museum of Photography, in the exhibition Finnish Landscape, curated by the Photobooks collective from Finland. Aura Saarikoski graduated as a visual artist from Turku Art Academy, Department of Photography in 2012, and got her Master’s Degree in Programme in Photography
in 2017 from Aalto University School of Arts, Design and Architecture.

The exhibition and the work of the artist have been supported by Arts Promotion Centre Finland.

SALLA SALIN: AFTER YOU

After You is an interactive installation taking the notion of the Anthropocene and its impact on the global ecosystem as its starting point. The radiant energy of the Sun in the form of light and heat is the basic requirement for life on Earth, but especially due to the actions of humans our climate has changed considerably over the last centuries. Future living conditions are difficult to predict.

The artwork is based on electromagnetic radiation. A slow, at first an almost undetectable change, is triggered by the presence of a human being. The amount of visitors and the time passing affect the whole, as the conditions of the space start to gradually change.

Salla Salin is an artist based in Helsinki. Her practice is informed by investigations on the structures and concepts of reality. Addressing themes from concrete physicality to temporal, social and emotional dimensions of space her work manifests mostly in large scale immersive installations, sculpture and/or interdisciplinary projects which have a unique relationship with their surroundings. Her work has been exhibited and performed in solo and group exhibitions and in various venues both in Finland and internationally.

The exhibition has been financially supported by the Arts Promotion Centre Finland.

Kati Roover: Layers & Hermanni Saarinen: Näkymä

June 1st, 2018 by Oksasenkatu

banner_katihermanni(1)

8.6.-1.7.2018

KATI ROOVER: LAYERS &
HERMANNI SAARINEN: NÄKYMÄ
8.6.-1.7.2018

Avajaiset 7.6.2018 klo 17.00-19.00
Lämpimästi tervetuloa!

Ti-Pe 14.00-18.00
La-Su 12.00-16.00
Oksasenkatu 11, 00100 Helsinki

KATI ROOVER: LAYERS

Magenta on ”ylimääräinen” spektrinen väri, sitä ei löydy näkyvän valon spektristä. Sen sijaan se on fysiologisesti ja psykologisesti havaittavissa punaisen ja violetin/sinisen valon seoksena, vihreän puuttuessa siitä kokonaan.

Kemisti William Henry Perkin patentoi purppuran värin, mauveiinin vuonna 1856. Perkin löysi värin sattumalta, kun hän oli kehittämässä malarian torjuntaan kiniinin synteettistä vastinetta, joka levisi ympäri maailmaa kolonialismin sivutuotteena. Mauveiinin värin luominen johti koko kemianteollisuuden syntyyn. Kivihiilitervasta valmistetut synteettiset kirkkaat aniliinivärit toivat mukanaan monia muita tärkeitä löydöksiä ja olivat ratkaisevia räjähteiden, lääkkeiden ja torjunta-aineiden kehittämisessä.

Magentan värin nimesi ranskalainen kemisti François-Emmanuel Verguinin vuonna 1859. Se oli aniliiniväri, joka alun perin kantoi nimeä fuchsinea ja se koostuu samoista komponenteista kuin mauveiini. Teollistumisen myötä magentan värin tarina on jatkunut ja muuttunut materiaalisesta väristä myös magentavaloksi, LED-valojen ja näyttöjen kehittymisen myötä.

Näyttely Layers koostuu installaatiosta, valokuvista ja To Become a Tree videoteoksesta, monesta kerroksesta ja toisiinsa nivoutuvista langoista, joissa magentan värin ja valon kulttuuriset merkitykset kerrostuvat antroposeenin nimen alle. Kivihiileksi tiivistyneeseen kasvimassaan imeytyneen mustan aurinkoenergian koko valo-väri-spektrissä hehkuvan ihmisen kulttuurin tulevaisuus näyttäytyy haastavana ja lähes mahdottomana.

Kati Roover (s.1982) asuu ja työskentelee Helsingissä. Hänen teostensa lähtökohtina toimivat usein erilaiset tiedon muodostamisen tavat sekä paikan virtaava käsite massiivisten ympäristön muutosten keskellä. Rooverin teosten lähtökohtina toimivat usein luonnontieteet, antropologia sekä dokumentaarinen elokuva. Työskentelyn välineinä hän käyttää ovat liikkuvaa kuvaa, ääntä, tekstiä, sekä valokuvaa. Roover valmistui Taideyliopiston Kuvataideakademiasta vuonna 2016.

Suuri kiitos Titta Kotilaiselle Helsingin yliopiston Bio- ja ympäristötieteellisestä tiedekunnasta inspiroivista keskusteluista!
Taiteen keskustoimikunta ja Paulon säätiö ovat tukeneet näyttelyä.

HERMANNI SAARINEN: NÄKYMÄ

Hermanni Saarisen näyttely käyttää lähtökohtana arkipäiväistä tilannetta: ikkunasta tuijottamista. Katse suuntautuu sisältä ulos hajamielisenä ja tylsistyneenä. Sisällä on tuttua ja turvallista, mutta myös pitkäveteistä ja ahdasta. Ulkotila on tuntematon ja epämääräinen, mutta suo enemmän virikkeitä kuin sisätila.

Oksasenkatu 11 -gallerian alakertaan toteutetut objektit ovat sattumanvaraisia veistoksia. Siluettimuodot ja rakenteet muodostavat tietynlaisen näyttämön, jonka keskelle on asetettu styroksipää – katsoja, joka tarkkailee maisemaa kuvitteellisen ikkunan läpi. Se hallitsee tässä kokonaisuudessa, aktivoi muita esineitä, luo jännitteen niiden välille, yhdistää sisäisen ja ulkoisen.

Teoskokonaisuus on tutkielma materiaaleista, väreistä, muodoista ja niiden vuorovaikutuksesta. Saarinen yhdistää vastakkaisia värejä, tasaisia ja epätasaisia pintoja, puuta, kangasta, paperia ja synteettisiä materiaaleja vapaasti, korostaen jokaisen ominaisuuksia. Materiaaleissa on voimaa, samalla myös keveyttä, lähes painottomuutta. Taiteilija leikkaa ja työstää niitä tavalla, joka luo esineiden väliin tilaa, kerrostumia ja reliefejä.

Verhokiskojen symboliikka on Saariselle erityisen tärkeää. Ne viittaavat liukuhihoihin, koneistoon, teolliseen tuotantoon, kun taas kiskoihin ripustetut kankaat peittävät näkymää ja luovat intiimiyttä. Tutkimalla esineiden fyysistä luonnetta ja niiden välistä suhdetta löytyy poikkeuksellisia tapoja käsitellä ympäristöä, materiaa, ajan kulumista ja ihmisen kykyä nähdä.

Hermanni Saarinen on vuonna 2011 Kuvataideakatemiasta valmistunut taiteilija. Hänen viimeisimpiä näyttelyitään ovat Paradiso Vanhan Raatihuoneen galleriassa Turussa vuonna 2017 ja Sorbus galleriassa Helsingissä 2016 sekä Mykkä puhelin upotettuna saveen Galleria Sculptorissa 2014. Lisäksi Saarisen töitä on vuonna 2017 ollut esillä The Communityssä Pariisissa, sekä taidemuseo Eemilissä Lapinlahdella.

Näyttelyt ovat osa P14-kuraattoriryhmän Oksasenkadulle vuonna 2018 suunnittelemaa näyttelyohjelmistoa. Ryhmään kuuluvan Anastasia Isakova, Mia Kivinen, Ulla-Maija Pitkänen, Maria Savela ja Katariina Timonen.

Lisätietoa: Anastasia Isakova, nastya.isakova@gmail.com, 0449881528

///// /////

KATI ROOVER: LAYERS &
HERMANNI SAARINEN: THE VIEW
8.6. -1.7.2018

Opening 7.6.2018 17.00-19.00
Warmly welcome!

Tue-Fri 14.00-18.00
Sat-Sun 12.00-16.00
Oksasenkatu 11, 00100 Helsinki

KATI ROOVER: LAYERS

Magenta is an extra-spectral color, meaning that it is not found in the visible spectrum of light. Rather, it is physiologically and psychologically perceived as the mixture of red and violet/blue light, with the absence of green.

Chemist William Henry Perkin patented the color of purple, mauveine in 1856. Perkin discovered the dye by coincidence, when he was looking for a synthetic variant of quinine, in the fight against malaria that spread around the world as a byproduct of colonialism. Mauveine and the other synthetic aniline dyes produced from coal tar induced many other discoveries and was crucial for the development of explosives, medicines and pesticides.

Magenta took its name from an aniline dye made and patented in 1859 by the French chemist François-Emmanuel Verguin, who originally called it fuchsine, it has the same components than mauve color. As a result of industrialization, the story of magenta color has continued and changed from material color to magenta light, led by the development of LED lights and screens.

Exhibition Layers consists of installations, photos and To Become a Tree video work. From many layers and interlinks where the cultural meanings of magenta color and light are layered under the meanings of the anthropocene.

Kati Roover (b. 1982) lives and works in Helsinki. Her works are often based on different ways of forming knowledge as well as the fleeting concept of a place in the midst of massive environmental changes. Roover’s interests include natural sciences, anthropology and documentary essay films. She mainly works with videos, photography, sound and installations. Roover received her Master of Fine Arts degree from the Academy of Fine Arts (University of the Arts Helsinki) in 2016.

Thanks to PhD Titta Kotilainen from University of Helsinki, Department of Biosciences.
Art Council of Finland and Paulo foundation have supported the exhibition.

HERMANNI SAARINEN: THE VIEW

Hermanni Saarinen’s exhibition uses as a starting point a commonplace situation: staring at the window. The gaze is directed from the inside to the outside and is absent-minded and bored. It is safe and familiar inside, but at the same time limited and dull. The outer space instead is unknown and vague, but more powerful than the interior.

Objects made for the downstairs space of the Gallery Oksasenkatu 11 are incidental sculptures. Structures and silhouettes form a certain stage with a styroxhead placed in the center. It plays a role of a viewer who observes the landscape through an imaginary window. It dominates in this entity, activates other objects, creates a tension between them, combines internal and external.

The works are a study of materials, colours, shapes and interactions between them. Saarinen combines contrasting colours, smooth and uneven surfaces, wood, fabric, paper and synthetic materials freely, emphasizing each material’s features. There is strength in them, but also lightness, almost weightlessness. The materials are cut in a way that makes room between objects, creates layers and relieves.

The symbolism of the curtain rails is especially important for the artist. They refer to conveyor belts, machinery, industrial production, while fabrics hung on the rails cover the view and create intimacy. By studying the physical nature of objects and their mutual relations there can be found exceptional ways to deal with the environment, matter, time and human ability to see.

Hermanni Saarinen has graduated from Finnish Academy of Arts in 2011. Recently Saarinen has had exhibitions at Turku Vanha Raatihuone in 2017, at Sorbus gallery in Helsinki in 2016 and at Gallery Sculptor in 2014. In 2017 Saarinen has exhibited works also at The Community in Paris and Museum Eemil in Lapinlahti.

The exhibitions are part of the programme curated for Oksasenkatu in 2018 by the curator group P14: Anastasia Isakova, Mia Kivinen, Ulla-Maija Pitkänen, Maria Savela and Katariina Timonen.

More information: Anastasia Isakova, nastya.isakova@gmail.com, 0449881528

Jarmo Ilmari Somppi: Päätäntö & Meri Ekola: Sensorial Activities 1

May 8th, 2018 by Oksasenkatu

Oksiskuva toukokuu


12.5.-31.5.2018

Lämpimästi tervetuloa avajaisiin 11.5.2018 klo 17-19!

(Scroll down for English)

Jarmo Ilmari Somppi: Päätäntö

Tartu hetkeen niin se hajoaa käsissäsi.

Kun teen havaintoja todellisuudesta ja maalaan ne, ne ovat jo muuttuneet ja toisia, varisevat lattialle paljastaen altaan jotakin uutta. Ei ole loppua, ei alkua; on vain aika, jonka vietämme täällä, maalaten tai veistäen tai jotakin muuta tehden, kunnes olemme toisia kuin äsken.

Hitaasti tuhoutuva näyttely – sommitelmia valolla, ajalla ja liikkeellä maalipinnalle.

Jarmo Ilmari Somppi (s. 1970) on helsinkiläinen kuvanveistäjä. Hän rakentaa ekspressiivisesti tilateoksia, jotka ovat usein koettavissa monen aistin kautta.

Meri Ekola: Sensorial Activities 1

Sensorial Activities 1 on interaktiivinen installaatio, joka saattaa näkö- ja kuuloaistin yhdeksi kokemukselliseksi kokonaisuudeksi. Vuorovaikutus teoksen kanssa tapahtuu äänen avulla. Ihmisen ääni on yksilön persoonallinen piirre, johon jokaisella on henkilökohtainen suhde. Yhtä lailla se toimii ensisijaisena yksilöiden välisen kommunikoinnin välineenä ja julkisen olemuksen rajapintana. Teos ilmentää niin äänen intiimiä kuin kollektiivista ulottuvuutta.

Viimeaikaisissa töissään Meri Ekola on innostunut tarkastelemaan sitä, kuinka käsityksemme ympäröivästä maailmasta rakentuu moniaististen havaintojen varaan. Aikaisemmissa installaatioissaan hän on lähestynyt näkö- ja kuuloaistin liittoa eriyttämällä ärsykkeet toisistaan ja manipuloimalla niiden keskinäistä koherenssia. Sensorial Activities 1 on avaus kokeellisessa teossarjassa, jossa etsitään aisteja yhdistäviä havaintopolkuja. Kromestesia, kyky kokea auditiiviset impulssit kuulokuvan lisäksi väreinä, on toiminut nyt esillä olevan työn inspiraationa.

Meri Ekola (s. 1984) on koulutukseltaan valosuunnittelija ja työskennellyt alallaan etenkin näyttämötaiteiden saralla. Valosuunnittelijana työskentely on johdattanut hänet pohtimaan valon ilmaisullisia mahdollisuuksia ja laajentamaan taiteellista toimintaansa installaatioiden pariin.

Aukioloajat:
ke-pe klo 14-18
la-su klo 12-16

Lisätiedot: Katariina Timonen, 044 5733844, katariina.timonen@gmail.com

///////////////////////////////////////////////////////

Jarmo Ilmari Somppi: Conclusion
Meri Ekola: Sensorial Activities 1
12.5.-31.5.2018

Opening in May 11, 17.00-19.00. Warmly welcome!

Jarmo Ilmari Somppi: Conclusion

Seize the moment and it falls into pieces in your hands.

When I make observations about reality and paint them, they have already changed and are different, shedding on the floor and revealing something new from beneath. There is no end, no beginning; there’s just the time we spend here, painting or sculpting or doing something else until we are different than a moment ago.

Slowly perishing exhibition – compositions with light, time and movement on paintwork.

Jarmo Ilmari Somppi (s. 1970) is a sculptor living in Helsinki. He expressively builds spatial artworks that often can be experienced through many senses.

Meri Ekola: Sensorial Activities 1

Sensorial Activities 1 is an interactive installation which bonds the senses of sight and hearing into a single experience. The interaction with the piece happens through voice.

The voice is an unique feature of each individual that everyone has a personal relation to. It is as well a central medium of communication between people and the identifier of a public persona. The piece reflects both the intimate and the social dimension of the voice.

Recently in her work Meri Ekola has been drawn into observing how the perception of the surrounding world is built upon multisensorial understanding. In her previous installations she has been dealing with the connection of the vision and hearing by deconstructing their inherent relation and manipulating it. Sensorial Activities 1 starts a series of experiment driven works that seek perception connections between the senses. Chromesthesia, a sensorial ability in which heard sounds evoke an experience of colour, acts as the inspiration of this piece.

Meri Ekola has graduated as a lighting designer and worked in the profession mainly in the field of performing arts. Her work as a lighting designer has led her to question the expressive potential of lighting and to experiment with the medium of light in the installation context.

Opening hours:
Wed-Fri 14-18
Sat-Sun 12-16

Further information: Katariina Timonen, 044 5733844, katariina.timonen@gmail.com

Kristian Jalava : Potentials in the dark

April 12th, 2018 by Oksasenkatu

kristianjalava

Kristian Jalava: Potentials in the dark
20.4.–29.4.2018

Avajaiset torstaina 19.4. klo 17-19. Lämpimästi tervetuloa!

(Scroll down for English)

Huone on kamera, joka valottaa hitaasti ulkomaisemaa.
Huone on tilaan ja aikaan sidottu julkaisu.

Potentials in the dark -näyttelyssä Oksasenkadun galleria toimii camera obscurana, valokuvakamerana sekä avoimena työpajana, jossa rakennetaan neulanreikäkameroita, tehdään valotuksia lähiympäristössä ja kehitetään mustavalkokuvia pimiössä. Galleriatilassa koettava suora valoilmiö limittyy kamerateknologian kulttuurihistoriallista taustaa avaavaan aineistoon ja työpajassa syntyvään materiaaliin.

Näyttely on osa tutkielmaa, jossa tarkastellaan camera obscuraa erilaisissa ympäristöissä ilmenevien tilallisten ja ajallisten rajoitteiden valossa. Tutkielmassa pohditaan ikiaikaisen ja yksinkertaisen valoilmiön merkitystä (digitaalisena) nykyaikana, ja kysytään millaisia potentiaaleja camera obscuraan pohjaava työpajaverkosto sisältää.

Kahtena viikonloppuna järjestettävään kaikille avoimeen Mahdollisen valokuvauksen työpajaan (Ouvroir de Photographie Potentielle) voi osallistua omien mahdollisuuksien mukaan – joko pikaisesti tai ajan kanssa useampana päivänä. Työpajassa lähestytään neulanreikäkuvaamista tilallisten ja ajallisten rajoitteiden kautta. Jälkimmäisenä viikonloppuna tutustutaan Lasse Vairion opastuksella myös myrkyttömien valokuvakemioiden käyttöön. Ota mukaan laatikko tai muu pimennettävä esine, jonka voi muuttaa kameraksi!

Kristian Jalava (s. 1980) on Kuvataideakatemian tila-aikataiteen osastolta taiteen maisteriksi valmistunut turkulaislähtöinen kuvataiteilija, joka käsittelee ajan erilaisia olomuotoja valokuvan, kirjataiteen ja installaation keinoin. Jalavan yksityisnäyttely Spring Reception nähtiin viime vuonna Exhibition Laboratory Project Roomissa Helsingissä.

Lisätietoja näyttelystä ja työpajoista:
kristian@obscura.fi
www.obscura.fi

Aukioloajat:

Pe 20.4. 14-18
La 21.4. 12-18 (avoin työpaja)
Su 22.4. 12-18 (avoin työpaja)
Ma 23.4. 07-12
Ti 24.4. 09-14
Ke 25.4. 11-16
To 26.4. 13-18
Pe 27.4. 15-20
La 28.4. 12-18 (avoin työpaja)
Su 29.4. 12-18 (avoin työpaja)

*Työpajat avoinna sopimuksesta myös arkipäivinä

/////////////////////////////////

Kristian Jalava: Potentials in The Dark
April 20 – April 29, 2018

Opening on April 19, 17.00-19.00
Warmly welcome!

The room is a camera that slowly exposes the world outside.
The room is a space- and time-bound publication.

During the exhibition Potentials in The Dark, Oksasenkatu 11 Gallery functions as a camera obscura, a photo camera, as well as an open workshop, where pinhole cameras are built, long exposures are made and photographs are developed in the darkroom. The direct light phenomenon experienced in the gallery space is accompanied by the information about the historical camera technology and the materials produced during the workshops.

The exhibition is part of a study examining camera obscura under different constraints caused by changing spatial and temporal conditions. The study explores the meaning of everlasting and simple light phenomenon in modern (digital) world as well as arises questions about the potentials of camera obscura-based workshop network.

Workshop for Potential Photography (Ouvroir de Photographie Potentielle) is organized on the last two weekends of April and is open for everyone. One can participate either promptly or over several days. At the workshop our approach to pinhole photography is through spatial and temporal constraints. Over the latter weekend we will get acquainted with the use of non-toxic photographic chemicals under the guidance of Lasse Vairio. Take a box or other dimmable object that can be changed into a camera with you!

Kristian Jalava (b. 1980) is a Turku-based visual artist. He is graduated with MFA degree from The Finnish Academy of Fine Arts, Time and Space department. Jalava’s practice deals with different states of time through photography, book art and installation. His solo exhibition Spring Reception was seen at the Exhibition Laboratory Project Room in Helsinki last year.

More information about the exhibition and open workshops:
kristian@obscura.fi
www.obscura.fi

Opening hours:

Fri 20.4. 14-18
Sat 21.4. 12-18 (open workshop)
Sun 22.4. 12-18 (open workshop)
Mon 23.4. 07-12
Tue 24.4. 09-14
Wed 25.4. 11-16
Thu 26.4. 13-18
Fri 27.4. 15-20
Sat 28.4. 12-18 (open workshop)
Sun 29.4. 12-18 (open workshop)

*Workshops open also on weekdays according to agreement

Light Misunderstandings: Ida Palojärvi

February 27th, 2018 by Oksasenkatu

cof

7.3.-31.3.2018

Ti-Pe 14.00-18.00
Su-La 12.00-16.00

Avajaiset 6.3.2018 klo 17.00-19.00
Tervetuloa!

Ida Palojärven näyttely Light Misunderstandings koostuu kahdesta installaatiosta, joissa molemmissa käytetään valoa sekä teosten näkemisen mahdollistajana, niiden materiaalina, ja toisaalta katsomistilanteen häiritsijänä. Näyttelyn teokset jatkavat Palojärven viimeaikaisissa teoksissaan tarkastelemia peittymisen, löytymisen, estymisen ja mahdollistumisen teemoja.

Palojärvi on ollut kiinnostunut havainnoijan suhteesta havainnoituun ja havainnoinnin hankaloitumisesta tavalla, joka ei yksinomaan estä, vaan myös mahdollistaa asioiden löytämisen. Hän on teoksissaan pyrkinyt rajoittamaan joko ajallisesti tai tilallisesti katsojan näkökenttää ja näin koettelemaan sellaista katsomisen tapaa, joka perustuu katsojan kyvylle havainnoida teosta kaikilta puolin vailla ajallisia tai muita rajoituksia.

Ensimmäisen nyt nähtävillä olevista teoksista Palojärvi on installoinut näyttelytilan kattoon. Katsoja havaitsee katossa kynänjälkiä ja piirustuksen fragmentteja, mutta voimakas vastavalo estää muodostamasta nähdystä kokonaisuutta. Näyttelytilassa liikkuvalle katsojalle paljastuu uusia yksityiskohtia, mutta niiden summana on vain joukko yleisesti itämaiseksi luonnehdittavia tyylipiirteitä. Eksotisoivan katseen tavoittelema ylevän kokemus uhkaa jatkuvasti osoittautua identtiseksi matkatoimistojen esitteiden ja supermarkettien hedelmäosastojen halpojen myyntivalttien kanssa. Silti latistuneessa ja arkipäiväistyneessä muodossaankin eksoottisen kaipauksen kohteet jäävät osin läpitunkemattomiksi ja häiritseviksi. Näyttelyn toisessa teoksessa Palojärvi tarkastelee pitkään harvinaisten ja kalliiden, mutta nyt jos täysin arkipäiväistyneiden hedelmien merkityskatoa tarkoituksenaan johdattaa katsoja tuttuuden ja vierauden rajalle. Näyttelytilan hedelmäasetelmat muuntuvat näyttelyn aikana katsojien liikkeiden ja ajan kulumisen seurauksena.

Ida Palojärvi (s. 1981) on Kuvataideakatemiasta taiteen maisteriksi valmistunut helsinkiläinen kuvataiteilija. Galleria Oksasenkatu 11:sta nähtävä näyttely on hänen kahdeksas yksityisnäyttelynsä. Palojärven edellinen yksityisnäyttely oli esillä Helsingin taidemuseon HAM-galleriassa elo-syyskuussa 2017. Yksityisnäyttelyiden lisäksi hän on osallistunut lukuisiin ryhmänäyttelyihin Suomessa ja ulkomailla.

Suomen Kulttuurirahasto ja Sun Effects ovat tukeneet näyttelyä.

////////////

7.3.-31.3.2018

Tues-Fri 14.00-18.00
Sat-Sun 12.00-16.00

Opening 6th of March 2018 17.00-19.00
Warmly welcome!

Ida Palojärvi’s exhibition Light Misunderstandings is comprised of two installations which use light as their key material. Light enables one to see the work but at the same time disrupts the moment of their perception. The installations featured in the exhibition continue Palojärvi’ themes of covering, finding, enabling and inhibiting, that are present also in her more recent work.

Palojärvi has been interested in the relation between the perceiving subject and the object being perceived in a way that does not merely inhibit but also enables things to be discovered. In her work, she has aimed to limit the field of vision of the observer either temporally or spatially and thus try the way of seeing based on the observer’s ability to perceive the work from all angels without temporal or other constraints.

First of the work now featured Palojärvi has installed to the ceiling of the exhibition space. The spectator perceives pencil marks and fragments of drawings on the ceiling but a strong reverse light prevents them from forming a whole from what one sees. New details are revealed to the spectator moving across the exhibition space but their sum is only a number of stylistic features which could be generally characterised as oriental. The sublime experience to which the exotizicing gaze aspires is constantly threated to turn out to be identical to brochures of travel agencies and cheap selling points of supermarket fruit sections. However, even in their banal and mundane forms, the objects of exotic longing remain partially impenetrable and uncanny. In the second work featured in the exhibition, Palojärvi leads the spectator to the border between familiar and strange by exploring the loss of meaning of fruits which have become a part of our everyday life after being for a long time rare and expensive. The fruit arrangements in the exhibition space are being transformed during the exhibition as a consequence of the movements of spectators and the passage of time.

Ida Palojärvi (born 1981) is an artist living in Helsinki who has graduated as Master of Fine Arts from the Academy of Fine Arts, Helsinki. The exhibition featured in Oksasenkatu 11 Gallery is her eighth solo exhibition. Palojärvi’s previous solo exhibition was featured in Helsinki Art Museum’s HAM-gallery in August-September 2017. In addition to solo exhibitions she has participated in numerous group exhibitions both in Finland and abroad.

Finnish Cultural Foundation and Sun Effects have supported the exhibition.

A sketch of an opera : Martinka Bobrikova & Oscar de Carmen

February 5th, 2018 by Oksasenkatu

BobrikovaWeb

17.2 – 25.2.2018

Avoinna To-Pe 12-18                                                                                           Avajaiset 16.2.2018 18-20, Lämpimästi Tervetuloa!

Open Thursday-Sunday 12-18
Opening on 16.2.2018 at 18-20, Warmly Welcome!

The project that Bobrikova & de Carmen proposed for the gallery reconsiders the power structures operating within the Art world, referring to the current dominant capitalistic system and its interrelation with the art scene.
Through the piece, the artists question the morality and validity of the relationships between artists, dealers, auction houses, collectors, and affluent dabblers who aspire to be collectors or even investors in art. A Sketch of an Opera is a work in progress and its theme is one part of a larger research project, questioning….

This installation evolves from the desire to make apparent or expose the basic structure of the capitalist art world through composing a multimedia opera including 4 works. The work with the title ¨Questions and Notes” is intended to draw a sketch of what would be the Libreto of the opera. It consists of 17 folios where the artists create a plot questioning and interpreting 53 quotes from various allegorical authors to the world of art. The idea of the utopian prevails in the fact of proposing a work aimed at questioning the position of the artist in the Art world. Visualizing the work with the title ¨Death in life¨ the artists review and question the notoriety of the appropriation, the rhetoric of the incongruous and of the production of new art work for them, as well as a plea to the defense on the people exiled to not be a part of society through metaphor (the work is based on the collection of functional lighting material found in waste containers from the refurbishing of a buildings). In the works ¨How to create an unusual experience for a consumer’s expectations” and ¨Sound architecture, prelude to a new social order¨, the artists develop the notion of “visualization without function” as a way to highlight questions related to consumption, appropriation, risk taking, and the creation of a new work.

bio:
Martinka Bobrikova & Oscar de Carmen have been working together as an artistic duo since 2005. Central to their artistic practices are the notions of an open interaction within the art world beyond the confines of what is often considered acceptable artistic institutions. They view their artwork as embedded within lived experience, as a single space of coexistence and confluence. They believe that this open dialogue between art and life is a productive context to emphasize the current interchange and flux in social life and to promote social transformation. Through this methodology, the artists critically investigate our roots and social habits, questioning the
mechanisms and contexts which create these powerful current systems of values.

They have participated in several residencies such as Seoul Art Space_Geumcheon, HomeBase Saitama, KulturKontakt Austria, Nida art Colony or MeetFactory.
Their works have been presented in venues and projects such as Gallery RAM, 5th Odessa Biennale, Fotogalleriet,  Agrikultura Triennial, Seoul Art Space Geumcheon (2017); the Saitama Triennial, Nitra Gallery, Akershus Kunstnersenter, Tranzit.sk (2016); 2nd Tbilisi Triennial, Prague Quadrennial, Babel Art Space, Entrance Gallery (2015); Centre Contemporary Art in Singapore, Høstutstillingen, Kunstnerneshus, ANX/ Atelier Nord, Skånes Konstforening, City Gallery Bratislava (2014); Karlin Studio, Rake (2013); Museum of Contemporary Art Roskilde, KURANT, (2012); Singuhr (2011); Center of Contemporary Art – Tbilisi, Röda Sten, City Museum of Gothenburg, Space Gallery (2010).

Supported using public funding by Slovak Arts Council

FPU_logo_WEB_ENm-1

 

mobility_programme_vertical 5

Self-Portrait with a Large Cock : Joonas Jokiranta

January 10th, 2018 by Oksasenkatu

selfp w a l c

20.1. – 4.2.

Avoinna Torstai – Sunnuntai 14.00-18.00
Gallery open Thursday – Sunday 14.00 – 18.00
Avajaiset Perjantaina 19.1. klo 18.00 Tervetuloa!
Vernissage Friday 19.1. at 18.00 Welcome!

Self-Portrait with a Large Cock

Artworks assembling themes of being an amino acid-built man and an artist in a New World

Why is this only in English? – Cultural imperialism. Lingua franca. The new norm.
About performing
When I’m performing next to the camera, I’m a naked ape cock distracted by intelligence, too ugly to be an empty canvas, too proud to be anything else, worth many kilos of fertiliser just as everyone is – we are all subjects and objects at the same time. Does it really matter what I do? I’m breathing
and sweating with my stomach swollen by coffee and unhealthy food. And, of course, I’m only keen to make my mark in the world – and as fast as possible. I’m painting myself on the wall and – people might say – exaggerating some of the body parts.
Me and my cock
I had to paint a picture of me and my cock.
That’s one of the few things I’ve always wanted to do.
As I invite viewers cocks inside, they are able to see me and my cock staring from the wall. They congregate, analyse and finally leave the gallery only to carry on with their lives as cultural beings, searching for worms to catch and protecting their territories by pecking fellow cocks in the eye.
Men and animals
A person with an animal in a painting is a part of a long tradition in art just as is contrasting a man with an animal which I officially refuse to do, because it’s a cliché and a taboo. Pictures of naked bodies have always been popular. Our bodies – male, female, feathered, furry, hairless or skinned –
are spiritually and banally gateways to a wider understanding, brotherhood and oneness.

 

Chicken in the yard
As a child I lived in the countryside with my family. We had several chicken in the yard. To one of them, I gave the name Lasse because I thought she was a cock. During the months that followed she grew up to be a hen. She kept fleeing from the cage. She was a sneaky predator always trying to catch worms and my tuna sandwich. As the sun set, my cock sat down next to our front door
waiting for someone to gently carry her back to the henhouse for a good night’s sleep.
Joonas Jokiranta (born in 1980 in Köyliö, Finland) creates visual poetry, physical essays and absurd yet truthful statements which explore the past, the present and the dystopia. Non-politically and politically, he intertextualizes everything. Using video, sound, objects, various materials and his own body, he offers the audience a chance to join the spiritual yet shallow journey through decadence in the post-industrial society.